艺术欣赏者应具备怎样的条件-艺术欣赏的前提基础是什么意思

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比起发展脉络清晰、品类明确的西方艺术史来说,解读中国艺术史的难度要大很多。光是种类,中国艺术就能分出绘画、书法、陶器、玉器、青铜器、漆器、画像石等无数门类,更别说每一件文物和艺术品背后所包含的文学、历史、物理、化学等各种学科的知识了。

比起发展脉络清晰、品类明确的西方艺术史来说,解读中国艺术史的难度要大很多。光是种类,中国艺术就能分出绘画、书法、陶器、玉器、青铜器、漆器、画像石等无数门类,更别说每一件文物和艺术品背后所包含的文学、历史、物理、化学等各种学科的知识了。

再者,中国传统文化博大精深,艺术作为它的载体,如果只是了解了艺术品的技法而忽略了它的意境,则远远无法了解到我们中国文化的伟大。但意境,恰恰是最难表述的。

为了让更多艺术爱好者领略到中国艺术的璀璨光彩,体会到中国艺术的精神内涵,知名艺术大咖意公子在其新作《大话中国艺术史》里,用她独有的视角,以时间为写作脉络,通过《兰亭集序》《洛神赋图》《千里江山图》等耳熟能详的艺术珍品,串联起了这波澜壮阔、脉络纵横的艺术历程。

这本书从原始社会的陶器、玉器说起,内容涵盖了陶器、玉器、青铜器、草书、行书、山水画、工笔画等多种中国特有的艺术形式,时间跨越秦、汉、唐、宋、元、明、清、近代等多个时期,配上简洁生动、幽默风趣的语言,和丰富精美的图片,让我们重新认识中国艺术的发展脉络,感受脚下这片土地独有的艺术意境与风采。

当然,有人或许会提出质疑:对于终日奔波、只为碎银几两的普通人而言,了解艺术、欣赏艺术,是否有必要呢?满足衣食住行已经殊为不易,更何况满足精神层面的需求呢?

对此,意公子在书中是这样解释的,如果将中国艺术数千年的历法,看作一个整体,那么你会发现,迄今为止中国艺术的发展,与人的一生是如此相似。原始时期,那是中国艺术的“婴儿期”,好奇与恐惧并存;青铜时代的到来,我们开始有了肌肉,能够探索更大的世界,这是中国艺术的“儿童时期”;而秦汉正对应着中国艺术的青春期,有着青春期里的第一次成熟和懵懂……

换言之,艺术能撕开生活的一角,照见我们的过去,也照亮我们的前路。它终将回答的是:我们是谁?我们从哪里来?我们要到哪里去?正如王小波所说:

“一个人只拥有此生此世是不够的,他还应该拥有诗意的世界。”

当然,对于古老的先民来说,艺术的诞生,或许源于一个偶然,但归根结底还是一个必然。在那个精耕细作的时代里,当人们开始吃饱穿暖之后,自然有更多的余力来想想怎么打扮自己,打扮生活。而此时,对美的追求,就成了主题。就像意公子所说的:

“在先民们看来,美,就是吃饱喝足了,整点漂亮事儿。整着整着,他们就觉得自己老幸福了。”

陶,是人类历史上第一种人工材料,是人们按照自己的意志创造出来的一种崭新的东西,更是一种兼具观赏价值的艺术品。

陶器的烧制,训练了人类把握火候的能力,从而为后来的青铜时代和铁器时代奠定了基础;而陶器上的纹饰和物象,以及各种造型的出现,也反映出原始人类在绘画和雕塑萌芽时期的艺术风格。

从仰韶文化的葬具鹳鱼石斧图彩绘陶缸,到龙山文化的蛋壳黑陶高柄杯,我们的先民把泥巴玩出了花样、玩出了境界,玩出了一个崭新的纪元。

就这样,从仰韶文化、龙山文化的陶器,到红山文化、良渚文化的玉器,再到商周时期的青铜器,伟大的中国先民们,在各种器具的使用规模和艺术成就上,都独步世界,展现了华夏最肆意张扬的美。

不过,一提起中国传统艺术,大多数人首先会想到的,还要数那些传世的画作。

魏晋以前,中国历史上少有带着署名的绘画作品。我们看到的多是画工、画匠,他们所画之事,也多是为统治者服务。但东晋的“书圣”王羲之和“画绝”顾恺之让我们知道,书画不仅仅是为了记录,更是为了“以文载道”!

当《洛神赋图》里的宓妃三步一回头,而曹植被一众随从搀扶着,痴情凝视她离去的身影时,我们看见了一次人神永别的真实记录,更看见了一段依依不舍的真情流露。从此,“传神”成了中国绘画传统中最基本的理论之一,也成为中国人物画不可动摇的传统,被后代画家奉为圭臬。

就这样,绘画在魏晋南北朝渐渐发展成一门独立的艺术。从此之后,越来越多的画家拥有了姓名。在这400年分裂的战火中,中国的艺术就像是一个青春期的少年,爆发出惊人的力量。

到了隋唐,政治的稳定、国力的强大、经济的繁荣、对外交流的顺畅和融洽,使得这个时期的中国艺术对内全面发展遍地生花,对外又充满了海纳百川的气魄。

意公子在书中写道,唐代是人物画的鼎盛时期,无论是历史题材、现实题材,还是宗教题材,都继承了魏晋以来“以形写神”“形神兼备”的特点,但人物关系不再是魏晋时期那种“排排坐”的方式,而是有主有次,善于用一些戏剧性的情节来增加画面的丰富度。

隋唐时期也诞生了许多优秀的画家。比如,绘制了李世民的“昭陵六骏”,还画了《凌烟阁二十四功臣图》,设计并主持修建了大明宫,同时还有传世之作《步辇图》和《历代帝王图》的阎立本。

如果说,来自东晋的顾恺之,用一幅《洛神赋图》打下了人物画的江山,带人物画走向成熟,那么,在阎立本的笔下,人物画的画风,就开始从汉代的粗朴、魏晋的淡雅,慢慢转向精致和臻丽了。

唐代开创了中国艺术的盛世,而随后的五代两宋,则将中国艺术推向了最巅峰的黄金时代。

五代和宋朝人物画的题材范围较之前代有所扩大,宗教神话、历史故事、文人生活等都成了绘画的主题。而在绘画趋势上,五代和宋朝的绘画更注重通过生动的表情,来表现人物性格和他们复杂的内心世界。他们仿佛就是我们身边的人,而他们的体貌审美,也从唐朝的丰腴婀娜,走向了宋朝的纤细温婉。

顾闳中的《韩熙载夜宴图》、范宽的《溪山行旅图》、苏轼的《黄州寒食帖》、王希孟的《千里江山图》,以及张择端的《清明上河图》,这一大批最顶级的书画名品,均诞生于这一时期,向世界宣示着中国艺术的瑰丽气象。

虽然自宋代以后,中国古典艺术开始走了下坡路,但仍涌现出赵孟頫、黄公望、倪瓒、唐寅、徐渭、八大山人、齐白石、徐悲鸿等蜚声海内的书画大家。

从土和火的艺术——陶器,到漂亮的玉石、铜与锡的合金,兜兜转转,中国艺术走过了几千年的时光,它就像一个孩子,在跌跌撞撞中始终保持着对世界的好奇与探索,不断发现,不断成长。而最终,远游归来的人又落叶归根,迎来新生……

当我们在某一个瞬间从现实世界中短暂抽离,游走于山水画卷之中,徜徉于浓淡笔墨的字里行间……当我们活在当下,却分明跨越了时空,看见了无数的世界,拥有了不同的人生……这,就是艺术的意义。正如意公子在书中所说的那样:

“艺术,通往我们生命的深处。艺术让我们真正获得的,并不是技巧,也不是知识。它最大的作用,是抚慰人心!”

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